La primera, en la voz de Elis Regina, un clásico en si misma. Elis grabó este tema, en su versión en inglés (How Insensitive) en 1969 en un disco bastante particular que se llamó “Elis Regina in London”.
En la contratapa del disco hay un texto que da cuenta de la coyuntura de esa grabación. El texto pertenece a Roberto Menescal, músico de la banda de Elis:
En enero de 1969 junto a Antonio Adolfo en el piano, Jurandir Meirelles en el bajo, Wilson das Neves en la batería, Hermes Cortesini en la percusión y yo mismo en la guitarra, realizamos una serie de presentaciones en Europa como músicos exclusivos de Elis, acompañándola en una gira promocional. Durante esas presentaciones grabamos un disco en Suecia con el rey Belga de la harmónica Toots Thielemans, tituladoAquarela Do Brasil. Y al pasar por Londres, el director artístico de nuestra compañía escuchó la cinta grabada y vió la presentación en la TV, por lo que enseguida invitó a Elis para grabar otro disco. La propuesta era la siguiente: Regresaríamos a Brasil, prepararíamos una cinta para el maestro Peter Night, quién haría los arreglos para la orquesta y, encima de lo que concebimos, en Mayo estaríamos en el estudio de grabación en Londres. Y como todo lo planeado por ingleses, funcionó como un reloj Suizo gracias al talento y la fuerza de una brasileña. El disco fue grabado en apenas dos períodos, es decir, en una mañana y una tarde, en una grabación para nosotros “sui generis”, pues entramos en un estudio con 46 músicos ingleses a los cuales no conocíamos; al director, lo habíamos conocido en la víspera y con el productor apenas habíamos hablado en el viaje anterior. Todo sucedió como un milagro y con un detalle importante: Elis grabó su voz al mismo tiempo en que se grababa toda la orquesta. Este milagro solo fue posible por tratarse de Elis Regina.
Aquí la versión de ese disco:
Ahora vamos a otra versión, saltando en el tiempo y más cercana. Es la versión que hizo Pedro Aznar en su disco“Mudras, canciones de a dos” del año 2003. El dueto que hace en “Insensatez” es con la cantante chilena Cecilia Echenique.
Como ye dije, las nuevas ediciones de los primeros discos en la CBS de Simone son una buena excusa para continuar con el recorrido discográfico de la Cigarra. Simone es hoy una artista que no tiene ningún grado de popularidad en Argentina, y como me gusta hacer estos homenajes (aguante?) a artistas no siempre bien reconocidos (a pesar de sus méritos) y con los que tengo un especial afecto, sigo entonces adelante.
Con el disco, “Amar” (1981), se suele decir que arranca la década de los 80 para Simone. Marca el final de su etapa en la EMI Odeon y el inicio de un contrato millonario con la CBS. Para muchos, se acaba aquí la mejor etapa de ella. Para mi, hay muchísimas joyas en medio del ruido de esos años.
En líneas generales, el paso a la década de los 80 es un paso traumático para la música popular. Quienes vivimos esos años como público, nos resultaron años medio confusos y, hasta diría, que los sufrimos. En buena medida, para muchos, esa década arranca el 8 de diciembre de 1980, con la muerte de Lennon. No se decir exactamente por qué, pero definitivamente, ese día comenzamos a enterrar los años 60 y 70. El desamparo y la sensación de “uh, pero no duraba toda la vida?”.
Durante 1981 casi todos los músicos incluirían en sus nuevos discos temas dedicados a Lennon. No era sencillo procesarlo. De hecho, en este caso particular, Simone interpreta en este disco “Naquela Noite com Yoko”, canción urgente deSueli Costa y Abel Silva. En enero de 1982 muere Elis Regina, para la música popular de Brasil se hizo más que evidente que se habían acabado los 60 y los 70, décadas en las que reinó Elis.
Con los 80 llegan nuevos sonidos. Algunos, los puedo recordar gratamente, como el piano semiacústico Yamaha, las guitarras acústicas Ovation, pero no así con la mayoría del sonido que comienza a proliferar en esa época; aparece una camada de nuevos teclados que estaban empecinados en empalagarlo todo, baterías electrónicas metidas hasta el hartazgo, mucho saxo alto (Kenny G mediante), etc.
Y todo ese paquete venía acompañado de productores!.
Vaya a saber por qué, pero los productores deciden que las grabaciones de esa época comiencen a sonar más agudas y chillonas, las voces se grababan más lejanas, sumergidas entre los instrumentos. Mucho estudio de grabación en USA y músicos internacionales.
Y todo eso venía acompañado de videos!
En agosto de 1981 se lanza la MTV. Recuerdo esos años con esos colores todos empastados propios de la tecnología basada en formatos de cinta (como el VHS, en formato hogareño). Cualquier grabación blanco y negro de los 60 era infinitamente mejor que las grabaciones color de comienzos de esa década. Los video clips comienzan a mostrarnos los raros peinados de la época. Hasta cierto rock duro de otrora deviene, video mediante, en un glam rock de muchachos de cabelleras rubias vaporosas y pectorales al descubierto. Definitivamente, ya no se trataba de aquellos héroes de la radio a la madrugada.
El primer video emitido en el lanzamiento de la MTV el 1 de agosto de 1981 fue un video emblemático de la época… “Video killed the radio star” de The Buggles (aquí puse algo más sobre esto).
Aquí se puede ver los primeros minutos del lanzamiento de la MTV
Volviendo a Amar (1981) y Simone, las principales críticas sobre sus discos de esta década es que se convierten en productos fríos, repetición de fórmulas, sin riesgo, arreglos convencionales, sin matices distintivos entre ellos. Se habla de la involución de Simone, su figura de estrella comienza a generar algunas oposiciones. A su favor, el repertorio siguió apostando a grandes canciones, muchas de ellas, convirtiéndose inmediatamente en clásicos, aunque sea difícil identificar a que discos pertenece cada una, producto de esa uniformidad de sonidos de la época.
La uniformidad también se vincula con una tendencia generalizada del momento, las producciones que abusaron en utilizar técnicos, estudios y músicos de, por ejemplo, Los Angeles.
Sin embargo, esto que sucedía con los discos poco tenía que ver con lo que ocurría en la calle y en los estadios. Las ventas de discos -en ese entonces, un buen parámetro del seguimiento del público- estaban en permanentemente ascenso. Sus shows eran cada vez más populares, no sólo por masividad sino por su diversidad y por la adhesión que despertaban. Si los discos comienzan a sonar fríos y casi aburridos, otra cosa era Simone en escena. Recordemos que es a comienzos de 1982 cuando hace su presentación en el estadio Morumbí ante unas 100.000 personas, video que coloqué en esta entrada.
Son años politizados, como lo señalé en algunas entradas previas, unido a una potencia escénica poco frecuente, convirtiendo sus shows en eventos fuera de lo común. La presentación de “Amar” se hizo a inicios de 1982. La periodista Helena Silveira escribió en la Folha de São Paulo que Flávio Rangel, director artístico de los shows de Simone, la previno diciendo: "Você não vai assistir a um show musical. Você vai ver um fenômeno sociológico". En otro tramo de esa crónica se cita a la Simone politizada: “Sou de esquerda por uma questão de dignidade, num país como o nosso”. (“Simone, toda emoção solta no Ibirapuera”, 30/3/82).
“Amar” fue grabado en sólo 15 días y en 5 mezclado y fue otro éxito de ventas inmediato. Los compositores versionados no difieren sustancialmente a los presentes en sus anteriores discos. La canción “Amar”, que le dio nombre al disco, pertenece a Milton Nascimento. Pero el tema de Milton de este disco que perdurará en la memoria es “Encontros e Despedidas“.
De este disco puse en entrada anterior al buen tema “Barbara” en dueto con Gal Costa. Otra particularidad de este disco es que incluye su primer tema grabado en español “yo no te pido” de Pablo Milanés.
Inmediatamente, en una producción discográfica también veloz, edita en ese mismo año “Corpo e Alma” (1982). En entrevista previa, Simone dirá que ese disco llegaría al millón de copias, cosa que llegó efectivamente. Estos dichos de Simone provocaron la reacción de Caetano Veloso, quien es de muy pocas pulgas, y dijo que un disco no es un producto como el jabón en polvo. Simone luego contestó “Gente sou eu, o disco e um produto. Como o sabao en pó”. Una polémica que empañó aún más las críticas flojas de este nuevo disco, a pesar de ser otro extraordinario éxito de ventas y una serie de presentaciones en vivo que fueron realmente extraordinarias. El disco era una cosa, floja por cierto, otra cosa era la Simone en vivo.
En “Corpo e Alma” aparece otra canción en español, “Alfonsina y el mar”.
Los shows de “Corpo e Alma” arrancan a finales de ese año y continuaron hasta 1983. El éxito increíble de eso shows hizo que el 17 de diciembre de 1982 la TV Globo decidiera transmitir en vivo un show que se haría en un parque público en Rio de Janeriro (Quinta da Boa Vista). No hay una cifra cierta de la cantidad de gente que había esa noche, se supone unas 50.000 (algunos diarios hablaron de más de 100 mil). Los shows de fin de año de Simone comenzaban a ser tan populares como las fiestas.
Este video es un tramo de ese show, haciendo “Começar de Novo”, el sonido no es bueno, pero da una idea de lo que sucedía esa noche.
Rede Globo - Especial 'Corpo e Alma' Quinta da Boa Vista, Rio de janeiro, 17 de dezembro de 1982 - ao vivo Apresentação Especial com a cantora Simone exibido ao vivo a partir de um show realizado pela Divisão de Eventos Especiais da TV Globo na Quinta da Boa Vista, no Rio de Janeiro. Durante mais de uma hora, Simone interpretou músicas de seu novo disco, recordou sucessos anteriores e apresentou três músicas inéditas para uma platéia de cerca de 50 mil pessoas. O evento, com entrada franca, contou com a participação de uma grande orquestra, que acompanhou a cantora em várias canções de seu repertório, entre elas Sangrando, Sal da terra, Começar de novo, Corpo e Alma. Direção geral de Aloysio Legey. Site Memória Globo
_________________________ Simone, seu show-TV e complexidades Simone (...) a atleta que bate bem um futebol; a mulher delicada ar de menina grande e assustada, a líder de massas, a mulher de participação política nas lutas de se tempo. Simone é a representação simbólica de inúmeras marcas e perplexidades contemporâneas, por isso seu canto traduz a emoção de milhares de outros, em casa ou na platéia. Essa mulher alta e sedutora (em seu mistério) para homens e mulheres, aparece vestida com grande recato, muito mais coberta que revelada, augurando o respeito que pede para sua intimidade e ao mesmo despertando, assim, mais sedução. No tempo das obviedades extrovertidas, Simone revela recatos e introversões que atraem ainda mais complexidades para a sua figura de comunicação. Essa figura, poderosa, (...) aparece cantando com força e vigor, um timbre morno, maduro, de meio soprano, grave, que não apenas aquece seu canto como o torna forte, de uma virilidade altamente feminina. Essa mistura de signos também na voz e na forma de cantar dão a Simone graus poderosos de densidade, de pathos, de sofrimento e drama (...). Arthur da Távola, Jornal O Globo , 22 de dezembro de 1982 Leia na íntegra: Jornal O Globo</I="">
Hacia el final del show, haciendo un tema de Blitz, grupo de rock de la nueva camada de los 80.
Se puede ver el registro completo de ese show en este link.
Así arrancan los 80 para Simone: con conciertos multitudinarios, discos poco celebrados y la crítica que iba de un extremo al otro. Simone también era una artista polémica y que generaba controversia.
Es interesante leer la siguiente entrevista (muy muy dura) de enero de 1983. En ella se señala que en el show de Boa Vista hubo unas 150.000 personas (y un muerto!). El periodista y Simone se cruzan duro por las superproducciones, la crítica musical, sus vínculos políticos con dirigentes del PMDB, etc. Este tipo de cruces empiezan a ser frecuentes y lo peor, todavía está por venir.
“Cigarra!”. Inmediatamente la llamada a Milton Nascimento. Ese sería el nombre del disco y necesitaba una canción. Así nació la Cigarra. Sigo ahora con el repaso cronológico de la edición de “O Canto da Cigarra nos Anos 70”. El nuevo disco se edita en 1978 y ya el nivel de popularidad de Simone era algo inusual. Poco a poco se convierte en artista predilecta para varios autores emblemáticos de Brasil y Simone comienza a ser un personaje mimado por la TV para la realización de shows dedicados a su carrera y homenajes de lo más variados. Increíblemente, estos homenajes se repiten casi sistemáticamente año tras año, hasta hoy. Desde entonces, Simone es adoptada masivamente por el público.
Simone e Milton Nascimento em especial da Rede Globo, gravado ao vivo no Teatro Globo, no Rio de Janeiro, e levado ao ar no dia 2 de março de 1980. O programa, chamado "Simone Bittencourt de Oliveira", foi o primeiro programa da série "Grandes Nomes"
En esos últimos años de los ‘70 Simone se convierte en una artista popular con algunos rasgos que me resultan poco frecuentes. Si bien esa popularidad se basaba en cantar de manera impecable algunos temas que rápidamente se instalaron en la memoria colectiva, hay que sumarle a eso, por lo menos tres elementos que la hacen muy particular: por un lado, se convierte en ese momento en una especie de “sex-symbol” andrógino, seguida por hombres y mujeres, hecho que además, se profundizaba con un repertorio que, a veces, rozaba lo “publicable” en esta materia; a lo anterior hay que sumarle que esos son los años más “politizados” de Simone, son años de fuerte resistencia a la dictadura y Simone interpretaba a artistas emblemáticos de esa resistencia; por último, y contrariamente a lo que podría supponerse, su popularidad no encontraba barreras generacionales ni sociales. Si bien aquí, en Argentina, circulaba esencialmente en círculos universitarios, en Brasil nunca dejó de ser una artista que se la podía ver y escuchar los domingos a la noche por la TV.
Recordemos que Brasil vivía bajo dictadura militar desde 1964, la que duraría hasta 1985, y que ésta había tenido periodos particularmente duros con los artistas. Uno de ellos, durante fines de los 60, que es cuando deben irse al exilio Gilberto Gil y Caetano Veloso. Para 1973, ya de regreso en el país, comienza para ellos un período de crecimiento internacional notable. En esa década se produce otra nueva ola de furor internacional por la música de Brasil con una camada extraordinaria de músicos. Si antes Joao Gilberto y Tom Jobim eran las figuras internacionales por excelencia, en los 70 los músicos brasileños que atraían al púbico global eran muchísimos. El cambio de gobierno a manos de Gral. Geisel en 1974 inició una política más liberal disminuyendo la censura en la prensa y en las actividades políticas.
“Entao vale a pena”, con Gilberto Gil, su autor, en guitarra.
Es en el nuevo contexto de mayor flexibilidad política lo que permitió en esos últimos años de los 70 el regreso del exilio de numerosos brasileños y un clima anti-militar muy marcado. Esta es la etapa de mayo popularidad de Simone. La que alcanzará su momento más importante con los dos discos de final de la década, “Pedacos” (1979) y “Simone Ao Vivo” (1980).
Como adelanto de esa etapa, haciendo un tema emblemático de esos tiempos ante un estadio con 90.000 personas en 1982.
A imagem está em preto e branco - assim que possível será disponibilizada em cores - e no final há também um trecho do especial de Simone, 'Corpo e Alma', (Globo, 1982) quando ela deixa o palco do Morumbi.
Pra não dizer que não falei de flores – Caminhando (Geraldo Vandré) show 'Canta Brasil' (1a. Edição) * Gravado em 7 de fevereiro de 1982, Estádio do Morumbi, São Paulo SP. Exibido em 17 de fevereiro de 1982 Rede Globo
“Simone Bittencourt de Oliveira nasceu duas vezes. A primeira, em 1949, num bairro de classe média de Salvador, na Bahia. A segunda, na noite de 7 de fevereiro passado, no estádio do Morumbi, em São Paulo, quando ergueu um coro de 90.000 vozes na apoteose do show 'Canta Brasil', com a canção 'Caminhando' nos nos lábios e lágrimas nos olhos. Quando terminou de cantar, era mais uma estrela no céu”.
Okky de Souza, Revista VEJA, 24 de março de 1982 Sobre o CANTA BRASIL
“Em 7 de fevereiro, Clara foi chamada por Chico (Buarque) para participar do 'Canta Brasil', um show com aquelas características dos espetáculos do 1o. de Maio, de cunho político, cujo objetivo era, mais uma vez, arrecadar fundos para sindicatos ou campanhas políticas, como o 'Diretas Já'. O 'Canta Brasil era uma continuidade dos shows de 1o. de Maio. A TV Globo, para não se comprometer, transmitiu a apresentação que reunia Chico, Simone, Clara, Milton e mais um time de mambas da música brasileira como sendo um especial em memória de Elis Regina, que acabara de morrer. Argumento tolo, inventando pela emissora, para não explicar o reaa motivo do espetáculo: uma frente de resistência da classe artística à situação político-partidária do Brasil. Simone, inclusive, protagonizou um dos mais belos momentos daquela fase de abertura quando cantou, emocionada, 'Pra não dizer que não falei de flores', acompanhada pelas cerca de 90 mil pessoas que lotavam o Morumbi, em São Paulo. Por causa de uma forte chuva que caíra no dia 5, data em que o show seria realizado, um adiamento para o dia seguinte foi solicitado pela TV Globo. Todos toparam. Clara encerrou o show, aberto por Paulinho da Viola”.
Excerto do livro 'Clara Nunes, Guerreira da utopia', de Vagner Fernandes, Ediouro, 2007
_____________________________________ * Além desta edição do 'Canta Brasil' no Morumbi, foram realizadas mais 3 edições. A SEGUNDA em abril de 1982 no Estádio Beira-Rio em Porto Alegre RS, exibida em 23/07/1982 na TV RBS, a TERCEIRA no dia 01/05/1983 no Anhembi, São Paulo e a QUARTA (esta sem a participação de Simone) realizada em junho/1984 na Praça da Apoteose, Rio de Janeiro. ______________________________________
Recomiendo la entrada Cigarra para complementar este tramo. Allí se puede ver a Simone haciendo este mismo tema para el público argentino en 1984 en nuestra “primavera” democrática.
Anexo Milton Nascimento
Uno de las figuras que en esos años brillaban a nivel internacional era Milton Nascimento. Podía tener sonando en las radios algunos de sus temas más populares o estar tocando en cualquier escenario del mundo siendo mimado tanto por los músicos y el público de jazz. Por esa época, la “plata dulce” argentina permitía comprar discos importados y traer mucho de éstos artistas, así conocimos la movida brasileña que entusiasmaba tanto en el mundo.
Aquí pongo dos videos de esa e´poca, el primero tocando con Wayne Shorter y el segundo con esa maravilla que es Elis Regina (sentada, creo que por su embarazo)
En relación a lo que comentaba en “Damage”, he hecho una compra extraordinaria. Una caja con 11 CDs! Como alguna vez lo mencioné, bajo música y robo discos en internet y también copio CDs, pero también hace tiempo que me dedico a subsidiar a algunos artistas. Buscando así un hipotético equilibrio. En fin.
Me acaban de traer de Brasil una cajita feliz. Se trata de los 11 primeros discos de Simone y con esto completo mi colección! Son los discos de Simone que corresponden a la década del ‘70. Muchos de estos discos eran imposibles de conseguir, otros, directamente nunca habían pasado a CD. Sólo tenía uno de esta época (“Pedacos”, 1979) y alguna vez tuve como “Long Play” a otro (“Ao Vivo”, 1980).
La colección se llama “O Canto da Cigarra nos Anos 70” y se editó en el 2009. Cubre desde su primer disco, en 1973, hasta los discos de 1980.
La historia comienza con Simone llegando a San Pablo como deportista y apenas como una cantora para amigos y familia. En 1972 le presentan a un productor de la ODEON, prueba, e inmediato contrato por 4 años.
En mayo de 1973 aparece “Simone”, su primer disco. Luego vendrán dos discos más en ese mismo año. En la caja vienen todos, remasterizados, tapas originales, bonus tracks, letras y textos que abundan en información. Como debe ser.
Dos temas de ese primer disco. El primero es “Morena”, el estilo Simone se hace conocer por primera vez:
Otro tema, “Tudo que voce podia ser” (Lo Borges / Marcio Borges), que había sido incluido por Milton Nascimento en “Clube da esquina” (1972)
Para el momento del lanzamiento del primer disco, Simone ya estaba embarcada en una sorpresiva gira por Europa con un grupo que representaría la música brasilera por diversas ciudades europeas en un espectáculo llamado “Brasil Export 73”. Originalmente, las dos figuras que encabezarían los shows serían dos sambistas reconocidos, Elza Soares y Roberto Ribeiro. Al momento de la gira, Soares no puede viajar, por lo que la Odeon no duda en ofrecer ese lugar a Simone. Uno de los resultados de esa gira fue la grabación del disco “Brasil Export 73 - À BRUXELLES” de Simone y Roberto Ribeiro. En este disco aparecen los primeros sambas cantados por Simone, género que será uno de sus puntos fuertes en su carrera. Su voz y el samba, comenzarían a ser marca registrada.
De ese disco, un primer set de sambas a cargo de Simone: “Tres sambas de roda”
Aquí junto a Roberto Ribeiro “De uma noite de festa”
"(...) Andava eu procurando uma cantora para integrar um espetáculo cuja direção me fora confiada. Não alongando a história: escolhi Simone e produzi um LP especifico para o mercado Europeu - uma preparação de terreno. O espetáculo foi para a Bélgica, Alemanhã e França (no místico Olympia). A brasilidade do trabalho foi amplamente assumida, era uma espécie de panorama que englobava manifestações populares com outras aculturadas: maculelê, samba-de-roda, bossa-nova, camdomblé, chorinhos, capoeira (...)" Hermínio Bello de Carvalho, texto extraído do LP "Gotas d' água" - 1975)
Ese mismo año Odeon edita el disco “Expo-Som 73 - Ao Vivo”, registro de una serie de shows realizados durante el mes de septiembre auspiciados por la propia compañía. Leny Andrade, Marcia, Ari Vilela y Simone eran las artistas presentes en el disco. Este álbum es rescatado de la historia por esta colección.
“Saudade de Itapoan / Joao Valentao”, de Dorival Caymmi.
Así, de manera repentina Simone graba tres discos a los 23 años. Con muy pocas presentaciones locales salió de gira por Europa, cantado en los mejores teatros.
1973 es el año debut, consagración, aunque para un publico especializado en la MPB (música Popular brasilera. Simone se coloca como figura internacional y comienza a compartir shows con sus grandes admirados. Seguiré en la medida que vaya escuchando.
Algo sobre la MPB (wiki!)
La MPB surgió exactamente en un momento de declive de la bossa nova, género renovador en la música brasilera surgida en la segunda mitad de la década de 1950. Influenciada por el jazz norteamericano, la bossa nova dio nuevas marcas al samba tradicional.
Ya en la primera mitad de la década de 1960, la bossa nova pasaría por transformaciones y, a partir de una nueva generación de compositores, el movimiento llegaría a su fin ya en la segunda mitad de la década. Una canción que marcó el fin de la Bossa Nova y el inicio de aquello que se pasaría a llamar MPB fue Arrastão, de Vinicius de Moraes (uno de los precursores de la bossa nova) y Edu Lobo, entonces un músico novato que hacia parte de una onda de renovación del movimiento, marcado notablemente por un nacionalismo y una reaproximación con el samba tradicional, como el de Cartola.
Arrastão fue defendida en 1965 por Elis Regina en el I Festival de Musica Popular Brasileira. A partir de allí, se difundieron nuevos artistas, hijos de la bossa nova, como Geraldo Vandrá, Taiguara, Edu Lobo y Chico Buarque de Hollanda, que se presentaban con frecuencia en festivales de música popular. Exitosos como artistas, ellos tenían poco o casi nada de bossa nova.
Vencedoras del II Festival de Música Popular Brasileira, (Sao Paulo en 1996), “Disparada”, de Geraldo, y “A Banda”, de Chico, pueden ser consideradas marcos de esta ruptura y mutación de la Bossa para la MPB.
Era el inicio de lo que se rotularía como MPB, un género difuso que abarcaría diversas tendencias de la música brasileña durante las siguientes décadas. La MPB, que comenzó con un perfil marcadamente nacionalista, fue cambiando e incorporando elementos de procedencias varias con mezclas de diversos géneros musicales. Esta diversidad es hasta bien recibida y es una de las cualidades de este género musical.
Los primeros MPB tomaron prestados elementos de la bossa nova y, a menudo, se basaban en una poco velada crítica a la injusticia social y a la represión gubernamental, encontrándose en progresiva oposición a la escena política caracterizada por la dictadura militar, la concentración de la propiedad de la tierra, y el imperialismo. Una variación dentro de la MPB, efímera pero influyente, fue el movimiento artístico conocido como Tropicalia.
Este es un registro histórico único. Poder ver a semejante seleccionado de cantantes de Brasil todas juntas por única vez. Un auto homenaje merecido. Fue grabado para un programa especial de Rede Globo, Sexta Super, 10 de octubre de 1979, presentado por Regina Duarte
Las “cantoras de radio” son, despacio: Elis Regina, Simone, Gal Costa, Maria Bethânia, Rita Lee, Fafá de Belém, Marina Lima, Zezé Motta, Joanna e Quarteto em Cy.
Algo pocas veces visto, un lujo y hecho casi sin ensayo, para auto-homenajearse. Esta es la parte final de ese programa especial. Elis, jugando como una mas… en fin.
Aquí la apertura
Comecar de novo, un tema que marcó esa época en la lucha contra la censura de la dictadura
Hoy se publica en el Crítica una crónica de aquel concierto de Elis Regina en Montreux. La anécdota la conté anteriormente, una noche en la que inexplicablemente Elis sufrió e hizo sufrir a todo su entorno. Por mucho tiempo disfruté del dueto con Hermeto Pacoal, luego supe que eso fue un duelo de titanes, ahora sufro cuando lo escucho.
Cali
Elis & Hermeto
Nelson Motta, 19.03.2010, Diario Crítica
En julio, fui a cubrir para O Globo y la TV Globo el Festival de Jazz de Montreux. La gran estrella de la “Noche Brasileña” era Elis Regina, que después de 15 años había salido de Polygram para firmar con su viejo amigo André Midani en la Warner. La grabación de un disco en vivo en Montreux era parte importante del nuevo contrato, para dar un impulso a su carrera internacional. Con César Camargo Mariano y un pequeño grupo de músicos de alto nivel, Elis montó con César y André un show con sus grandes éxitos, hasta incluso “Upa neguinho”, pocas canciones políticas y, medio contrariada, más de bossa nova de lo que le hubiera gustado: eran obligatorias en el circuito internacional. Los arreglos eran simples y eficientes, como escuché en el ensayo en la víspera del show, pero sin mayores brillos y sorpresas, al menos para los oídos brasileños. Elis estaba nerviosa, pero procuraba calmarse cantando técnicamente, a media voz, repitiendo divisiones rítmicas, ensayando finales. La capacidad del Casino de Montreux estaba agotada hacía días y Hermeto Pascoal, que venía de grabar con Miles Davis e idolatrado en los medios jazzísticos como un “brujo de los sonidos”, haría la primera parte de la “Nuit bresilienne”.
Después del ensayo, impresionado con la multitud que quería ver a Elis y no tenía entradas, el director del festival, Claude Nobs, presionó a su viejo amigo André, que convenció a Elis de hacer una matiné extra, a las tres de la tarde, en el día del show. En la matiné superllena, Elis arrasó. Cantó con seguridad, técnica y discreta emoción un repertorio de alto nivel, ya muy conocido por los brasileños pero encantador para el público internacional. Hizo el show como si fuese un ensayo general, como una preparación para la gran noche.
A la noche, en el show de abertura, Hermeto Pascoal y sus músicos hicieron que la casa se viniera abajo, fueron aplaudidos de pie durante 15 minutos, con el público gritando y exigiendo más. Después de un intervalo de media hora, con una orquídea azul en los cabellos, como Billie Holiday, Elis entró en el escenario del Casino de Montreux. Con un vestido largo y un peinado que la hacían más vieja, Elis parecía nerviosa y tensa, cansada e intimidada, cuando comenzó a cantar. Con diez minutos de show, transpiraba mucho y parecía exhausta, haciendo mucho esfuerzo para cantar. No cantaba mal, cantaba con precisión y cautela, sin intentar ningún efecto. En las bambalinas André entró en pánico, pensó que Elis iba a desmayarse. Subió al escenario con un vaso de agua, que ella bebió inmediatamente. El show continuó. Para los periodistas brasileños, el repertorio era por demás conocido, los arreglos demasiado discretos y la performance de Elis con mucha técnica y poca emoción, casi burocrática. Sin embargo, los extranjeros estaban maravillados con su afinación, su timbre bellísimo, su técnica impecable, su tensión creativa. En el escenario, Elis sufría intensamente, como si no estuviese haciendo lo que más le gustaba en la vida, sino cumpliendo un doloroso deber. El show terminó con muchos aplausos, pero mucho menos intensos de los que había recibido Hermeto. Elis estaba exhausta y salió rápidamente del escenario. En medio del griterío, Claudio Nobs llamó de vuelta a escena a Hermeto Pascoal, que vio todo el show de Elis desde bambalinas. Recibido con una espectacular ovación, el brujo albino se encaminó victorioso para el piano, en tanto, de sorpresa, Claudio llamaba de vuelta a Elis Regina.
Siempre altamente competitiva, Elis sabía que había perdido la noche con Hermeto. Frustrada y furiosa, entró en el escenario pisando duro y sonriendo tensa al público. Silencio total, piano y voz. Hermeto empieza a tocar “Corcovado” cuando Elis comienza a cantar, sus armonías brotan del piano haciendo cada vez más difícil para Elis –o para cualquier otro cantante del mundo– mantenerse dentro de la misma tonalidad, tantas y tan sofisticadas son las transformaciones que Hermeto impone, convirtiendo el viejo clásico casi irreconocible, genialmente irreconocible. Y Elis, ahí, respondiendo a todos los saques del brujo con una precisión que lo espantaba y hacía cambiar aún más los rumbos de una canción no ensayada.
En la cuerda floja y sin red, Elis cantaba como una bailarina, como una guerrera, como un músico. Hermeto arreglaba sus ojos rojos detrás de los lentes. Elis crecía con cada nota, con cada frase de sus improvisaciones y scats, con cada compás de su duelo con Hermeto. Fueron delirantemente aplaudidos. Cuando Hermeto comenzó a tocar “Garota de Ipanema” (que Elis odiaba y había jurado que jamás cantaría en su vida), se enojó. Pero rápidamente se recuperó y cantó, con todo el vigor, como si fuese la última canción de su vida, improvisó como una negra americana, puso el tema patas para arriba, provocó a Hermeto, voló con él delante de la platea electrizada. Con el público de pie, “Asa branca”, Elis y Hermeto en el round final, el baión de Luiz Gonzaga en ambiente free jazz y atonal, armonías jamás soñadas cruzándose con frases audaces de Elis, cambios bruscos de ritmo y de construcción, propuestas y respuestas, tiros cruzados, arte musical de altísimo nivel protagonizado por dos virtuosos. A mi lado, mi viejo amigo Nesuhi Ertegun, ahora vicepresidente de la Warner americana, estaba pasmado, lívido. Experimentado crítico de jazz, que acompañó la carrera de Miles Davis y otros genios, Nesuhi, dijo que raras veces había sido testimonio de un dueto tan emocionado y tan técnico, tan audaz. Salió del Casino eufórico, invitándome para que celebrásemos una cena con André y Elis. Festejada por Nesuhi, Elis fue sin ganas, casi no habló pero le dijo a André, amenazadora: “Este disco no va a salir, ¿no?”.
André no respondió pero Elis sabía que el disco en vivo en Montreux podía impulsar su carrera internacional. No saldría. Porque ella no quería, porque sacando los números con Hermeto creía que el resto no valía la pena, que no había cantado bien. Creía que había errado un penal. De vuelta a Brasil, exigió de André un juramento de que nunca lanzaría aquella grabación, nunca, ni después de que ella muriese.*
*La promesa, por suerte, no fue cumplida y hoy se consigue el disco con la grabación del 20 de febrero de 1979 Live in Montreux. Noites tropicais, solos, improvisos y memórias musicais. Objetiva. 2000.
Gracias a “Youtube” hoy es posible ver joyas que nunca hubiéramos podido ver.
En este primer caso, Elis Regina en un show casi personal. Este video pertenece a imágenes del programa “Ensaio” de la “TV Cultura” de 1973, conformado por interpretaciones en vivo y comentarios realizados por Elis Regina. No hace falta muchas explicaciones. Primero “É com esse que eu vou” y luego “Aguas de Marco”.
(Son fragmentos de un video recientemente publicado en DVD)
Como es altamente adictivo este tipo de videos, va el inicio de la presentación de Elis Regina en el “Montreux Jazz Festival” en 1979. Luego, dos temas más de esa presentación. Según las crónicas de ese show y de quienes la acompañaban, Elis estaba destrozada por los nervios y todos creían que se caería desmayada en el escenario cuando la veían transpirar como nunca. Una situación extraña, Elis cantaba en público desde lo 15 y ya lo había hecho fuera de Brasil en varias oportunidades. Aún así, es ella sobreponiéndose.
Por los hechos que son de dominio público, vuelvo a repetir un dibujo de Rep que coloqué en junio del año pasado. Argentina es así.
Para alivio del alma tenemos la másica, que tanto bien nos hace. Acabo de recuperar el segundo disco de María Rita (la hija de Elis Regina) haciendo un tema que puede llevarnos a algún lugar emocional mejor. Disco casi grabado en directo, despojado, con un trío grabando de una.
Neves en la batería, Hermes Cortesini en la percusión y yo mismo en la guitarra, realizamos una serie de presentaciones en Europa como músicos exclusivos de Elis, acompañándola en una gira promocional. Durante esas presentaciones grabamos un disco en Suecia con el rey Belga de la harmónica Toots Thielemans, titulado Aquarela Do Brasil. Y al pasar por Londres, el director artístico de nuestra compañía escuchó la cinta grabada y vió la presentación en la TV, por lo que enseguida invitó a Elis para grabar otro disco. La propuesta era la siguiente: Regresaríamos a Brasil, prepararíamos una cinta para el maestro Peter Night, quién haría los arreglos para la orquesta y, encima de lo que concebimos, en Mayo estaríamos en el estudio de grabación en Londres. Y como todo lo planeado por ingleses, funcionó como un reloj Suizo gracias al talento y la fuerza de una brasileña. El disco fue grabado en apenas dos períodos, es decir, en una mañana y una tarde, en una grabación para nosotros “sui generis”, pues entramos en un estudio con 46 músicos ingleses a los cuales no conocíamos; al director, lo habíamos conocido en la víspera y con el productor apenas habíamos hablado en el viaje anterior. Todo sucedió como un milagro y con un detalle importante: Elis grabó su voz al mismo tiempo en que se grababa toda la orquesta. Este milagro solo fue posible por tratarse de Elis Regina.
